Crítica: ‘Isla de perros’, una oda al cine fabricada por Wes Anderson

Autor: Jorge Hernán Echeverri. Crítica para el periódico El Mundo

Análisis de la última película llegada a Colombia del exitoso director norteamericano Wes Anderson

Ficha técnica

Dirección: Wes Anderson Guion: Wes Anderson (Historia: Wes Anderson, Roman Coppola, Kunichi Nomura, Jason Schwartzman) Reparto Bill Murray, Jeff Goldblum, Bob Balaban, Edward Norton, Scarlett Johansson, Bryan Cranston, F. Murray Abraham, Tilda Swinton, Greta Gerwig, Frances McDormand, Liev Schreiber Música: Alexandre Desplat  Fotografía: Tristan Oliver

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Crítica: ‘After the Storm’ un universo de historias propias

Análisis de la última película llegada a Colombia del exitoso director japonés Hirokazu Koreeda.

Ficha técnica

Dirección: Hirokazu Koreeda Guion: Hirokazu Koreeda Reparto: Hiroshi Abe, Kirin Kiki, Yôko Maki, Lily Franky, Isao Hashizume, Sôsuke Ikematsu, Satomi Kobayashi Música: Hanaregumi Fotografía: Yutaka Yamasaki.

El director

De una manera limitada ha llegado la cinta japonesa After the Storm, del director ganador de la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, que acaba de concluir, con su obra ‘Shoplifters’Hirokazu Koreeda, un estupendo realizador que se ha venido destacando a lo largo de los años con obras tan emblemáticas como ‘Marabosi’‘After Life’ y ‘Like Father, Like Son’.

La realidad

Ahora, tenemos la oportunidad de ver una cinta del 2016, que vuelve a mostrar esos rasgos que han caracterizado al director de retratar las familias disfuncionales, que no alcanzan la estabilidad interna. El protagonista es Hiroshi Abe, quien es Ryota, un padre que hace todo mal para volver a conquistar a su exesposa e hijo, a quien ve una vez al mes.

Microcosmos 

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Las relaciones de los tres se convierten en pequeños microcosmos de relatos que se van cruzando con cada frase, imágenes y gestos que van enmarcados a lo largo del filme,pero que especialmente se reflejan en la última parte de la misma cuando va a comenzar la tormenta y resuelven quedarse en el apartamento de la madre de Ryota, interpretado por la veterana Kirin Kiki, que quiere de alguna manera que la pareja se una nuevamente.

Producción

La fotografía es simple y directa, sin tantos movimientos, sin preocuparse si los planos son cortos o largos, apenas, cada uno se toma el tiempo necesario para mostrar lo que es. La banda sonora es llamativa en algunos cortes, con tonadas pegajosas que invitan a que el espectador se salga un poco de la monotonía de ciertas escenas.

 

‘After the Storm’

Pero quiero enfatizar en algo, y es en la construcción de un guion sencillo, bien estructurado que va construyendo y moldeando cada uno de los personajes que aparecen en el filme y que giran alrededor de Ryota, el escritor olvidado que tuvo un relativo éxito con una obra, la cual retrataba una etapa de su vida y que fue criticado por su familia; es ahora un hombre sin ideas para volver a las letras y se dedica al rol de detective privado consiguiendo pruebas de engaños amorosos y luego incluso traicionando a sus propios clientes, con un sentido de ética por debajo de lo normal, gastándose lo poco que gana en apuestas y quedándole mal a su ex con el dinero de manutención cada mes.

Todo mal

Ryota hace lo que ningún hombre racional debe hacer, porque en su interior busca volver a conquistar a su exesposa Kyoko (Yko Maki), quien ha encontrado un hombre que la quiere. Mientras que su hijo anda dudando que su padre pueda ser el hombre más importante en su vida.

Conclusión

 After the Storm es una propuesta donde los conflictos se concentran, se profundizan y alcanzan una intensidad emocional, una sensibilidad que muy pocos directores trabajan,y es la fragilidad humana, que recoge elementos tan simples de la naturaleza misma del ser, con poco contenido y se convierten en un universo de historias propias de cada persona.

 

‘Sumergence’ un romance sin magnetismo y emocionalidad

Artículo para el periódico El Mundo. Autor: Jorge Hernán Echeverri. 13 mayo de 2018 – 02:00 PM

En su última película de ficción, el alemán Wim Wenders recuerda a los espectadores que hoy su excelencia está en el documentalismo.

'Sumergence'

Ficha técnica

Dirección: Wim Wenders Guion: Erin Dignam (Novela: J.M. Ledgard) Reparto: James McAvoy,  Alicia Vikander,  Alexander Siddig,  Celyn Jones Música: Fernando Velázquez Fotografía: Benoît Debie.

'Sumergence'

El director

El alemán Wim Wenders es uno de esos directores que se encuentran en el ojo de todos los críticos de cine, odiados por muchos, querido por otros con obras magistrales, dignas de encanto y otras para olvidar. En lo que muchos si están de acuerdo, es que sus filmes van en decadencia, mientras sus documentales brillan por exquisitez y personalidad.

'Sumergence'

‘Sumergence’

Llega a la cartelera su última película Sumergence o Inmersiónun drama romántico que se debate entre lo emocional y lo caótico de la historia. Es protagonizado por dos estupendos actores, James McAvoy y Alicia Vikander, a los cuales les hace falta ese trabajo de dirección para que la película hubiera tenido una mejor intensidad.

'Sumergence'

La historia

Wenders se basa de manera literal en la novela J.M. Ledgard con el mismo título que relata la relación de Danielle (Alicia Vikander), una biomatemática oceanógrafa y James (James McAvoy) un espía británico que se prepara para ingresar a Somalia y desmantelar una red yihadista. Ambos se encuentran en un sencillo hotel de Francia y viven un romance que cambiará sus vidas.

'Sumergence'

Sobrevivir

La película utiliza muchos flashbacks para recordar a lo largo de la misma esos momentos que ambos vivieron en Normandía, mientras cada uno busca en su interior como llevar a cabo la misión encomendada. Danielle está explorando en una esfera las profundidades del mar la segunda capa que tiene el océano, mientras James es capturado en Somalia y sobrevive como un prisionero de guerra, maltratado, torturado y logra sobrevivir por dos cosas: los recuerdos de Danielle y el objetivo final de su misión.

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'Sumergence'

La cinta tiene muchas bondades, porque no se queda solamente en la relación banal de una pajera y la intensidad que vivieron, sino que su guion nos enseña un camino hacia las profundidades del mar y los hallazgos importantes que va a tener Danielle para el mundo científico. Mientras que James, en un momento de su relación le dice que el mundo es otra cosa, aparte de agua y que la realidad que viven hoy es diferente a la de ella.

Vacíos

Pero también, es una cinta con muchos vacíos, porque uno siente que los actores no reflejan esa química que a veces uno ve en el cine. Parecen distantes, cada uno inmerso en sus propias vivencias y se dispersan. Desde ahí, la película cojea y los flashback no reflejan la intensidad que se quiere. Es una cinta a la cual le falta magnetismo, por momentos muy sosa, con un romance insípido que por momentos cansa.

'Sumergence'

Conclusión

Sumergence puede ser considerada por muchos, como una de esas películas que reivindica que Wenders ha tenido sus años de gloria en el cine hace mucho rato, pero que en los documentales que realiza, muestra una sapiencia importante que se refleja con cada toma.

Además: Django una cinta desaprovechada a través de la ignorancia 

'Sumergence'

 

BSO RECOMENDADA

‘Sumergence’

Compositor: Fernando Velázquez

Velázquez es el compositor de cabecera del director español Juan Antonio Bayona. Es uno de los músicos más reconocidos en el mundo por su gran trabajo musical y ha trabajado con el alemán Win Wenders en este largometraje. Al igual que la película, la música es lenta, con muy pocos para destacar, pero no ha sido tampoco uno de sus grandes trabajos. Su Opening Title y Exactly what I’m going to do, I’m going to remember this pueden resumir lo que ha hecho. En el portal de Youtube puede escuchar la banda sonora de este filme.

https://www.youtube.com/watch?v=lULwIwaXjdU&list=PLCyUQo5WEv7tw21HdXZTlp7rJqpGhjOOm

‘En la penumbra’, un viaje desgarrador al odio y la venganza

Artículo para el periódico El Mundo. Autor: Jorge Hernán Echeverri. 29 abril de 2018 – 02:00 PM

Introducción al filme alemán que se anuncia en las pantallas de cine del país.

Ficha técnica

Dirección: Fatih Akin  Guion: Fatih Akin y Hark Bohm  Reparto Diane Kruger, Denis Moschitto, Numan Acar, Samia Muriel Chancrin y Johannes Krisch  Música: Josh Homme  Fotografía: Rainer Klausmann

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‘Django’ una cinta desaprovechada a través de la ignorancia

Autor: Jorge Hernán Echeverri – 15 abril de 2018 -Periódico El Mundo (Medellín)

Análisis del cinéfilo Jorge Hernán Echeverri P. a un guion que decepciona. Cinta actualmente en cartelera, siendo la primera película del debutante director francés Etienne Comar.

'Django'

Ficha técnica

Dirección: Etienne Comar Guion: Etienne Comar y Alexis Salatko Reparto Reda Kateb, Cécile De France, Maximilien Poullein, Ulrich Brandhoff, Alexandre Sauty Música: Warren Ellis Fotografía: Christophe Beaucarne.

'Django'

Análisis

‘Django’ es una de esas películas que pueden pasar desapercibidas en la cartelera nacional por su poca promoción dentro del país. Y su historia cuenta una parte de la vida del guitarrista gitano Django Reinhardt, uno de los más talentosos músicos europeos, creador del Gipsy Jazz, y su conflicto con los nazis en 1943, cuando los alemanes dominaban casi a toda Europa, en pleno conflicto de la II Guerra Mundial.

'Django'

La música

Para la narración de este filme, su director tuvo como prioridad destacar el trabajo artístico del protagonista en el escenario y que vemos en la primera media hora de la cinta, donde Reda Kateb, quien interpreta a Django, deleita a los franceses con varias melodías en uno de los teatros parisinos de la época, y parte de su público era del ejército alemán.

'Django'

Conflicto armado

Uno entiende la posición del director Comar de destacar la expresión artística del personaje, quien en varias partes del filme minimiza el conflicto armado que vive Europa y que si el público lo acompaña a sus conciertos es problema de ellos y es ahí, donde su director peca en la historia. Porque, es hasta muy tarde que Django entiende, que él y su familia hacen parte de la persecución que realizan los nazis con los grupos minoritarios en el viejo continente.

'Django'

Vea también: Matar a Jesús entre el odio y el perdón

Aislado

Y esa actitud que muestra el personaje no puede ser aislada al conflicto, porque el arte de alguna manera se debe manifestar políticamente a lo que ocurre a su alrededor. Su director, ha expresado que “La música tiene el poder de crear un universo alternativo al que nos rodea”, lo que explica la posición narcisista de que a él no le puede pasar nada, ya que es una estrella en Europa.

'Django'

Sin drama

Ese es la gran falencia del director, separar al artista del conflicto, lo que le quita a la cinta el dramatismo necesario para entender lo que pasa. Y entendemos desde el principio, que la música es lo más importante para su protagonista, pero no hacerlo tan seguido, con lapsos muy largos. Al principio es ideal porque empezamos a conocer un poco el papel que tuvo Django para el jazz, pero abusa en el guion de ello y eso le resta al filme. Y el suspenso que pueda generar con la huida de Francia a Suiza de los alemanes, la amenaza a su familia sino cumple con lo que le dicen, y ese hermetismo de entender todo lo que está en juego, no llega. Todo pasa como comenzó, una letanía de principio a fin, dejando que la trama sea tan lineal que poco sorprende en sus 117 minutos de duración.

'Django'

Desaprovechada

En fin, es una cinta que pudo dar más, que fue en gran parte desaprovechada por su director para contar un poco más la relaciones que se generaron en el filme, especialmente ese tributo ignorado al pueblo gitano que sufrió mucho en esa época y la mala decisión Etienne Comar en transgredir la realidad vivida a la ignorancia de un artista.

'Django'

 

 

 

‘Matar a Jesús’ entre el odio y el perdón

Artículo para el periódico El Mundo. Autor: Jorge Hernán Echeverri 1 abril de 2018 – 02:00 PM

Mirada con admiración al trabajo de su directora, a la película ‘Matar a Jesús’, de Laura Mora. La obra está en cartelera.

 

Ficha Técnica

Dirección: Laura Mora Guion: Laura Mora y Alonso Torres Reparto Natasha Jaramillo, Giovanny Rodríguez, Camilo Escobar, Carmenza Cossio Música: Sebastián Escofet Fotografía: James Brown.

‘Matar a Jesús’

Seguramente ‘Matar a Jesús’ puede ser la cinta más laureada en el último año en nuestro país. Las salas de cine todavía siguen llenas de espectadores que quieren ir a ver este drama personal de una directora, Laura Mora, que ha retratado una de esas historias tan cercanas para miles de personas que viven hoy en Medellín.

Y una de las cosas que nos ha llamado la atención es la cercanía que tiene desde su fotografía, lenguaje y montaje, con esa realidad que vivimos en la ciudad, pero quiero recalcar algo, y es que la historia nos remonta a ese pasado violento que tuvo la ciudad, y aunque la situación ha mejorado, las secuelas siguen vivas entre los viejos habitantes de la capital de Antioquia.

'Matar a Jesús'

Nuestra realidad

Pero su directora ha hecho un trabajo magnífico, no sólo por la cercanía que tenemos con su Medellín, sino por el tratamiento que le ha hecho al guion, de buscar con imágenes, secuencias largas, esa tormenta de pensamientos que pasaban por la cabeza de Paula (Natasha Jaramillo), lo que significaba su padre para ella, pero sobretodo, la forma en que debía encarar esa misteriosa relación con Jesús (Giovanny Rodríguez), el sicario que asesinó a su mentor.

Y ahí, es donde la directora, comienza a crear esos conflictos mentales, ese odio de Lita como le dicen sus allegados, para con Jesús, que van fortaleciendo con cada secuencia la construcción en su cabeza de cómo lo va a matar. Un odio, que la va carcomiendo por dentro, mientras se relaciona con el mundo del sicario.

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'Matar a Jesús'

Hacia el anonimato

La película tiene tantos momentos inolvidables, que, de alguna forma, los espectadores comenzamos a maquinar como será la muerte de Jesús. Desde la caminata al cerro para ver la panorámica de Medellín, la toma de fotografías allí a Jesús, hasta el baño en el charco, donde le enseña como disparar por si alguna vez piensa en matar a ella. Y allí, es que Lita entiende que dar el paso de más la convertirá en otro sicario anónimo de la ciudad.

Matar a Jesús es un filme brillante, con un guion muy bien estructurado, que trabaja más la parte mental de Paula y la tormenta que lleva por su interior. Pero también, es el trabajo de una directora que ha desarrollado una química muy interna con el grupo de actores, todos naturales, que le han brindado una solidez a la película y la credibilidad necesaria para ser reconocida en el ámbito internacional como una de las buenas propuestas cinematográficas que ha dado el cine colombiano en la última época.

'Matar a Jesús'

La redención

No quiero terminar el análisis del filme sin antes aplaudir al equipo técnico y en especial a su directora por el mensaje final de la película, que permea nuevamente lo que ha vivido una sociedad como Medellín en los últimos treinta años y que poco a poco ha salido de esa época y que le dice a todos sus pobladores que somos una de las cien ciudades en el mundo que han alcanzado la resiliencia, algo que no ha sido gratuito en la historia de la Bella Villa.

'Matar a Jesús'

'Matar a Jesús'

'Matar a Jesús'

 

¿Cuál será la mejor película del año?

Autor: Jorge Hernán Echeverri – 4 marzo de 2018. Especial periódico El Mundo

En preparación a la entrega de los premios Óscar, el cinéfilo Jorge Hernán Echeverri analiza las nueve candidatas al máximo galardón.

Esta noche se entregan los premios de la Academia que llegan a su versión 90º. El escenario, el Dolby Theatre de Hollywood & Highland Center, premiación que será televisada en vivo a más de 225 países. The Shape of Water es la favorita con trece nominaciones, seguidas de ocho para Dunkirk, siete para Three Billboards Outside Ebbing Missouri, seis para Darkest Hour y Phantom Thread, cinco para Lady Bird y Blade Runner 2049 y cuatro para Call Me By Your Name, Get Out, Mudbound y Star Wars: The Last Jedi. 

Este es el análisis rápido de las nueve películas que aspiran a convertirse en la mejor del año.

Call Me By Your Name (Llámame por tu nombre)

Call Me By Your Name
Del director italiano Luca Guadagnino, es una bella película que significa el primer amor para Elio a sus 17 años. Fascinante, con hermosos paisajes, de personajes sólidos y diálogos bien estructurados, sobretodo al final, cuando su padre le cuenta que sabe de su relación con Oliver y que tiene todo el apoyo de su familia sobre sus sentimientos y el futuro emocional de su hijo. Actuaciones maravillosas, Timothée Chalamet y Armie Hammer, se conectan a lo largo del filme, no solo por su relación sino la contraposición de culturas opuestas (italiana y americana), que van permitiendo la conexión entre ambos, mientras que los paseos en bicicleta por la campiña, los juegos de campo y el agua son cómplices de ese romance.

Darkest Hour (Las horas más oscuras)

Darkest Hour
Gary Oldman es el soporte de la película, su estupenda actuación y su transformación física y emocional hacen que sea el gran candidato a ganarse la estatuilla. El director Joe Wright narra a través de Churchill uno de los momentos más dramáticos de la historia de Inglaterra, el rescate de 200.000 soldados británicos y 100.000 belgas y franceses de Dunkirk ante el acoso nazi. Oldman es vigoroso en su interpretación al igual que su soporte de manera callada en el filme, su esposa, interpretada por Kristin Scott Thomas, quien hace un estupendo trabajo actoral. La trama se hace brillante por las presiones que va sintiendo Churchill de quienes lo apoyan y quienes no, haciéndose más impopular ante su mismo consejo de seguridad para que firme un tratado de paz con Hitler. 

Dunkirk

Dunkirk
Uno de los mejores directores en la actualidad Christopher Nolan presentó el año pasado esta cinta, que goza de pocos diálogos, que no son necesarios, porque la imagen (Hoyte Van Hoytema), el sonido y la música (Hans Zimmer) son esenciales y se mezclan de una manera única. Sobre todo para reflejar, los temores, las angustias de todos esos soldados en la playa esperando a que los recojan o los pequeños barcos deportivos que van a su rescate o los aviones que buscan evitar que el enemigo los destroce. Es una gran cinta, donde nunca vemos los rostros del enemigo, pero sí que están latentes a lo largo de los 107 minutos que dura el filme. 

Get Out (¡Huye!)

The Independent Spirit Awards
Para mí es la película que menos posibilidades de llevarse el premio mayor. Dirigida y escrita por Jordan Peele, en su debut como director de un largometraje, la cinta maneja un género que poco ha cautivado a los miembros de la Academia y es el género del terror. La cinta presenta algunos altibajos en su historia, como la desconfianza de su protagonista Chris (Daniel Kaluuya) de los padres de su prometida Rose (Allison Williams) desde el primer momento que se conocen, con el propósito de generar la tensión en el filme y desde ahí falla en todo su proceso de narración.

Lady Bird

Lady Bird
De entrada, su directora Greta Gerwig ha realizado una película fresca, divertida que muestra la universalidad de su protagonista, la joven Saoirse Ronan se consolida más como una actriz que derrocha personalidad en sus actuaciones y en este filme transmite los sueños e ideales de las jóvenes estadounidenses de clase media que quieren llegar a la universidad, vivir en Nueva york en vez de Sacramento –California y tener su primera relación sexual. Una película que se enmarca dentro de lo particular y el entorno de Christine (Lady Bird), quien quiere ser una mujer libre, y las eternas discusiones con su madre por cualquier cosa y el encanto de su padre, que no sabe decirle que no. El filme es un retrato personal de su directora, enmarcada en el humor y la sensibilidad que inundan a la joven actriz.

Phantom Thread (El hilo fantasma)

Phantom Thread
Este es el octavo filme del director norteamericano Paul Thomas Anderson, uno de los mejores en la actualidad, que ha tenido la fortuna de contar nuevamente con uno de los mejores actores del mundo, Daniel Day-Lewis, quien anunció al finalizar el rodaje, que ésta sería su última película como actor. La cinta es intensa, por momentos impredecibles por los giros que se presentan, pero es genial por cada una de las interpretaciones principales, Day-Lewis (Reynolds Woodcock), Lesley Manville (Cyril Woodcock) y Vicky Krieps (Alma). Un amor enfermizo, un diseñador de modas inflexible que controla todo a su alrededor hacen de esta cinta una de las mejores que hemos visto. Lo que menos me gustó fue su banda sonora, por momentos muy excesiva en algunas escenas y la utilización excesiva del piano en otras.

The Post (Los oscuros secretos del Pentágono)

The Post (Los oscuros secretos del Pentágono)
El director Steven Spielberg llena a escena uno de los temas más álgidos de la política y la historia de los EE.UU., como fue la participación en la guerra del Vietnam. Una película sensacional que mueve los hilos de la ética y el derecho a la información. Dos actores sensacionales, Tom Hanks y Meryl Streep, quienes dan vida al editor Ben Bradlee y a la dueña del Washington Post Kay Graham quienes reciben una orden de restricción del gobierno para no publicar los famosos papeles del Pentágono. La cinta es una verdadera clase de periodismo y la función que se debe hacer.

The Shape of Water (La forma del agua)

The Shape of Water (La forma del agua)
La gran favorita para imponerse en los premios. El realizador mejicano Guillermo del Toro ha alcanzado una mayor madurez detrás de la cámara y ha consolidado su gusto, una vez más, por el género que le gusta. La cinta tiene varios problemas, como por ejemplo una historia aunque es fantástica, es lineal, con pocas emociones y giros en el guion, solamente las escenas finales permiten que el espectador sienta que la cinta lo ha movido en su asiento. Por momentos se ve demasiado rosa y uno sabe que va a pasar. Además, a del Toro le faltó explicar muchas cosas, y eso que el filme dura 119 minutos, como por ejemplo, ¿por qué la criatura esté prisionero en ese laboratorio? ¿Qué propósito cumple? De resto es una cinta espectacular, al igual que su banda sonora.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Tres anuncios para un crimen)

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Tres anuncios para un crimen)

El director y guionista inglés Martin McDonagh ha realizado su obra más brillante, manipuladora y encantadora. McDonagh sobresale por encima de muchos directores actuales. Su película tiene tantos encantos y disgustos como ninguna otra, su humor negro y la manipulación de las escenas y personajes es genial, porque el guion es lleno de giros inesperados, que muestran diálogos llenos de odio y violencia que van cambiando con las reacciones normales de la conducta humana. Un gran filme, un gran candidato a ser la película del año, la ratificación de McDormand, Harrelson y Rockwell como unos excelentes actores y un director que tendrá mucho que decirnos en sus próximas películas.

 

 

 

“Tres anuncios para un crimen”: la estética de la manipulación

Especial para el periódico El Mundo: Jorge Hernán Echeverri analiza la película de Martin McDonagh que ha causado conmoción en la Academia

FICHA TÉCNICA

Dirección: Martin McDonagh Guion: Martin McDonagh Reparto: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Peter Dinklage, Lucas Hedges, Abbie Cornish Música:Carter Burwell Fotografía: Ben Davies Leer más